by Joe McNulty

In  the  early  1970’s,  a  creature  never  before  seen,  except  in  the  imagination of  one  David  Jones,  broke  into  the  limelight  of  popular  music  and  culture  in  Britain.  This  extra-terrestrial’s  brief  existence  would  pave  the  way  for  a  new  era  of  musical  and  cultural  exploration,  whilst  having  a  profound  effect  on  society,  and  millions  of  people  worldwide.  Ingrained  in  history  as  “The  Icon”  of  our  generation,  contextually,  there  has  been  nobody  more  outlandish  and  subversive,  yet,  who  was  David  Bowie?  A  brave  question,  considering,  this  was  the  one  thing  he  dared  not  ask  himself,  not  because  he  feared  the  answer,  but  more  so,  because  his  evolution  as  an  artist  and  person,  meant  this  was  an  impossible  question  to  answer.  Not  wanting  to  consider  himself  to  be  a  single  entity,  in  his  own  words  he  wanted  to  be  “ a  one  man  revolution”.

South  London  born,  David  Robert  Jones,  spent  almost  a  decade  trying  to  make  it  as  a  musician,  having  quite  a  fickle  relationship  with  everything  he  did,  he  dabbled  in  RnB  and  rock  bands,  until  later  becoming  a  mod.  This  would  be a  time  of  musical  experimentation,  coinciding  with  changing  his  name,  to  David  Bowie.  He  is  even  guilty  of  writing  a  novelty  children’s  record,  called,  The  Laughing  Gnome,  an  endeavour  that  would  ironically  make  him  a  laughing  stock,  of  sorts,  amongst  his  peers.  This  creation,   influenced  by  his  obsession  with  Anthony  Newly,  a  pioneer  of  surreal  comedy,  and  credited  with  being  the  inspiration  for  Monty  Python ,  along  with  Bowie’s  1967  debut  solo  album,  would  become  the  latest  failures  in  this  experimental  stage.

Despite  failure  in  his  earlier  career,  Bowie  was  not  shy  to  educate  himself   in  a  multitude  of  crafts,  and  seen  that  no  endeavour  in  this  regard  would  be  time  wasted  in  the  hunt  for  artistic  brilliance.  In  meeting  Lindsay  Kemp,  a  dancer  and  choreographer  of  the  avant-garde  description,  Bowie  found  a  tutor  that  would  not  only  enhance  his  onstage  ability,  but,  also,  someone  who  would  introduce  him  to  London’s  gay  clique,  whilst  having  an  offstage  affair.  Kemp,  claimed  in  an  interview  for  the  2013  BBC  documentary  “David  Bowie  and  the  Story  of  Ziggy  Stardust”  that  Bowie  “had  an  enormous  sexual  appetite”,  something  that  came  across  on  stage  and  later  in  his  career.  From  avant-garde  mime,  to  small  film  roles  and  even  an  ice-cream  advertisement,  David  Bowie’s  fleeting  nature  would  characterise  his  career,  until  synchronicity  with  the  first  Moon  landing,  launched  his  career  out  of  obscurity  and  into  the  popular  domain.  Space  oddity,  would  be  the  track  that  changed  everything,  receiving  massive  airplay  during  the  same  week  as  the  historic  space  mission.  The  single  made  it  to  no.5  in  the  charts  and  propelled  the  enigmatic  Bowie  into  the  spotlight,  if  only  for  a  moment.

On  the  back  of  this  success  he  released  a  self-titled  studio  album  that  failed  to  live  up  to  the  hysteria  of  the  single,  leading  to  years  of  depression,  ignited  by  the  self-condemning  thought  of  being  a  one  hit  wonder.  Around  this  time  he  had  quite  a  conflicted  and  confused  image,  on  the  one  hand  he  had  created  this  unique  masterpiece,  Space  Oddity,  yet  this  sound  had  failed  to  be  replicated  in  the  follow  up  album,  which  had  a  more  acoustic , folk  feeling  to  it,  leaving  the  record  buying  public  rather  mystified  as  to  who  or  what  David  Bowie  was  about.  Was  he  a  genius  on  the  cusp  of  something  great,  or  was  their  bemusement  a  mirror  image  of  an  artist,  who  hadn’t  quite  figured  out  his  own  complexities  as  a  musician,  or,  as  a  person.

The  catalyst  for  unleashing  the  genius  and  the  incongruity  within  Bowie,  would  be  his  future  wife,  Angela  Barnett,  better  known  as  Angie.  It  was  Angie  who  would  be  the  most  influential  figure  in  terms  of  encouraging  his  genius  to  flourish,  and  releasing  any  inhibitions  that  he  had  about  performing.  Through  her  encouragement  to  incorporate  a  more  outlandish  and  theatrical  image,  Bowie’s  most  famous  creation  was  beginning  to  take  form.  During  this  period  the  band  “The  Hype”  was  created,  but  it  would  prove  to  be  yet  another  of  his  less  celebrated  amalgamations.  One  positive  outcome  in  this  scenario,  would  be  the  introduction  of  Mick  Ronson,  the  guitarist  who  would  complete  the  sound  that  Bowie  craved,  and  someone  who  he  would  develop  a  unique  onstage  sexual  chemistry  with.  Another  step  in  the  subversive  direction,  and  another  piece  of  the  jigsaw.

The  cover  of  the  1970  Album  “The  Man  who  Sold  the  World”  would  first  truly  reveal  this  transformation  to  us,  in  a  picture  featuring  Bowie  posing  in  a  flowing  flowered  dress.  Totally  going  against  the  denim  dominated  rock  scene  of  the  1970’s,  the  album  never  managed  to  reach  the  heights  that  his  unmistakable  talent  deserved,  and  it  was  at  this  point  it  emerged  that  something  was  missing.  A  necessary  component,  to  transcend  talent  into  stardom.  Enter,  Tony  DeFries,  the  man  who  would  help  turn  David  Jones,  of  Brixton,  South  London,  from  a  struggling  misunderstood  artist  ahead  of  his  time,  into  the  most  celebrated  artist  of  the 20th Century.

On  becoming  David’s  manager,  Tony  DeFries  immediately  set  to  work  on  financing  the  masterplan  to  bring  his  client  to  the  next  level.  A  promotional  trip  to  New  York  beckoned,  where  24  year  old  Bowie  would  become  acquainted  with  his  idol  Lou  Reed  of  the  Velvet  Underground,  (who  would  inspire  the  rhythm  for  his  forthcoming  albums)   and  Andy  Warhol,   while  also  taking  a  huge  step  in  his  professional  career  signing  to  the  renowned  RCA  Records.  However,  his  reluctance  to  perform  his  own  songs  would  hijack  this  momentum.  This  disinclination,  spawned  the  conception  of  yet  another  band  called  Arnold  Corns,  fronted  by  Freddie  Buretti  miming  David’s  songs.  It  would  be  the  precursor  to  Ziggy  Stardust,  and  despite  the  failure  of  the  project,  it  didn’t  prevent  Bowie’s  insistence  in  using  a  fictional  character  to  perform  his  songs.  This  persistence,  would  soon  pay  off.

The  Fourth  album  “Hunky  Dory”  featuring  classic  tracks  such  as  Changes,  Oh  You  Pretty  Things,  Life  on  Mars  and  Queen  Bitch  was  a  sign  of  things  to  come,  and  became  the  final  stepping  stone  that  enabled  Bowie  to  become  his  alter  ego  Ziggy  Stardust.  The  Rise  and  Fall  of  Ziggy  Stardust  and  the  Spiders  from  Mars  would  not  only  catapult  him  into  stratospheric  stardom,  it  would  also  revolutionise  music  and  become  the  most  influential  album  of  the  1970’s  and  arguably,  the  20th  century.  What  the  album  offered,  other  than  the  obvious  musical  genius  on  display,  was  an  outlet  for  the  youth  of  the  day  to  escape  the  bleakness  of  recession,  the  ruthlessness  of  Tory  Britain  and  the  dark  shadows  of  The  Cold  War  era.  Ziggy  Stardust  would  represent  hope  for  the  “weirdos” of  society,  those  who  felt  outcast  for  going  against  the  status  quo,  opening  the  doors  of  possibility  to  an  entire  generation  and  for  generations  to  come.  The  record  was  something  much  more  than  a  music  album,  it  was  more  like  a  mechanism  for  breaking  down  the  barriers  of  a  society  that  had  become  suppressed  and  restrained  by  closed  minded  ideology.  Musically,  the  album  is  impeccable,  but,  it  is  the  concept  behind  Ziggy  Stardust  that  truly  captures  Bowie’s  creative  virtuosity.

An  episode  of  Top  of  the  Pops  on  the  6th  of  July  1972,  and  Bowie’s  rendition  of  Starman,  would  be  the  defining  moment  of  Ziggy  Stardust’s  arrival.  Singing  exuberantly  arm  in  arm  with  Mick  Ronson,  Bowie  has  an  expression  of  glee  on  his  face  that  denounces  all  his  previous  debilitating  inhibitions  and  failures,  with  the  realisation  that  this  time  he  had  got  it  right.  This  time,  was  his  time,  and  for  the  first  time  ever,  his  genius  would  be  recognised  universally,  his  talent  unquestioned  and  compositional  brilliance  celebrated.  Not  only  that,  he  did  it  all by  staying  true  to  his  own  integral  musical  beliefs,  and  his  reluctance  to  conform  to  the  pressures  of  popular  culture.  Instead,  he  fashioned  his  own  culture,  and  delivered  on  his  promise  to  be  “a  one  man  revolution”.  That  moment  would  be  the  beginning  of  a  monumental  career, spanning  five  decades,  five  UK  number  1  hits and  a  discography  as  long  as  he  was  brave.  The  rest,  is  history.